Ron Mueck, artista hiperrealista

Ron Mueck (1958) es un australiano, escultor e hiperrealista en Inglaterra.
Mueck comenzó su carrera en el cine, en efectos especiales para cine y televisión infantil.
Mueck creó su propia compañia en Londres, creando fotos hiperrealistas y animatronics.
En 1996 el artista comenzó a hacer escultura, creando pequeñas figuras para la galeríaHayward.
El estilo de Mueck creció, comenzó a esculpir figuras humanas a escala real, las partes del cuerpo las hizo sorprendentemente iguales, con minucioso detalle. La mayoría de las esculturas son creadas con cabello real.
En 2002 vendió a la Galería Nacional de Australia su ora La Mujer Embarazada por $800,000 dólares australianos.

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Pop Art

Roy Lichtenstein

Andy Warhol.

El Arte Pop fue un importante movimiento artístico del siglo XX que se caracteriza por el empleo de imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación, tales como anuncios publicitarios, comic y objetos culturales «mundanos». El arte pop, como la música pop, buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura existente en el Bellas artes, separándolas de su contexto y aislándolas o combinándolas con otras, además de resaltar el aspecto banal o kitsch de algún elemento cultural, a menudo a través del uso de la ironía.
El arte pop y el «minimalismo» son considerados los últimos movimientos del arte moderno y por lo tanto precursores del arte postmoderno, aunque inclusive se les llega a considerar como los ejemplos más tempranos de éste.

Entre los artistas considerados como precursores del movimiento pop están Marcel Duchamp, Kurt Schwitters y Man Ray.
El movimiento como tal surgió a mediados de los años 1950 en el Reino Unido y a finales de los años 1950 en los Estados Unidos con diferentes motivaciones. En Estados Unidos marcó el regreso del dibujo del tipo Hard edge (traducido como «dibujo de contornos nítidos») y del arte representacional como una respuesta de los artistas al utilizar la realidad mundana e impersonal, la ironía y la parodia para contrarrestar el simbolismo personal del expresionismo abstracto.
En contraste, el origen en la Bretaña de la post-guerra, aunque también utilizaba la ironía y la parodia, era más académico y se enfocaba en la imaginería dinámica y paradójica de la cultura popular norteamericana, la cual estaba formada por un conjunto de mecanismos fuertes y manipuladores que estaban afectando los patrones de la vida, mientras mejoraban la prosperidad de la sociedad.

Son multitud las obras de arte pop basadas en historietas. Román Gubern destaca con Flash (1963), Richard Pettibone con Tricky Cad (1959), Jess Collins con Dick Tracy (1960), Andy Warhol con Good Mornig, Darling (1964) y Roy Lichtenstein con As I Opened Fire (1964). Con los años, algunos historietistas serían influidos a su vez por el Pop-Art. Es el caso del belga Guy Peellaert, autor de obras como Jodelle (1966) y Pravda la Survireuse (1968).

Fauvismo

La Danza, de Henri Matise.

Fauvismo, Henri Matisse.

El fovismo, también conocido como fauvismo, en francés fauvisme, (1905-1908) fue un movimiento pictórico francés caracterizado por un empleo provocativo del color. Su nombre procede de fauve, fiera en español, dado por el crítico de arte Louis Vauxcelles al conjunto de obras presentadas en el Salón de Otoño de París de 1905. El precursor de este movimiento fue Henri Matisse y ha tenido gran influencia en la pintura posterior con relación al uso libre del color.
La utilización subjetiva del color y la simplificación del dibujo sorprendieron a todos cuando fue expuesto en el Salón de la línea y el color. Su desinterés por el acabado y sus colores chillones le granjearon el desprecio de la crítica cuando expuso sus paisajes, pintados en Colliure, en el Salón de Otoño de 1905.

El fundamento de este movimiento es el color liberado respecto al dibujo, exaltado de contrastes cromáticos. Los artistas fauves van a jugar con la teoría del color: ésta se va a basar, principalmente, en entender qué colores son primarios, cuáles son secundarios y cuáles son complementarios. Al entender esto, se va a conseguir una complementariedad entre colores, lo que producirá un mayor contraste visual, una mayor fuerza cromática:
-Colores Primarios: rojo, amarillo, azul
o Colores Secundarios: se obtienen mezclando colores primarios: rojo + azul (violeta); rojo + amarillo (naranja); amarillo + azul (verde).
o Complementarios: se entiende por color complementario, el color opuesto a otro: para el verde es el rojo, para el azul es el naranja y para el amarillo es el violeta.

-En esta búsqueda tan marcada por el color, van a olvidarse otros aspectos como el modelado, el claroscuro, la perspectiva la va a traducir en el uso de toques rápidos, vigorosos, los trazos toscos y discontinuos, la distorsión, es decir, todo lo contrario, aquello que da la sensación de espontaneidad. Parece como si no supieran pintar, como si hicieran sus obras de cualquier manera.

-Otra característica de esta pintura es su intención de expresar sentimiento.

-Defienden una actitud rebelde, de transgredir las normas con respecto a la pintura. Buscan, en definitiva, algo diferente, que les haga avanzar en el ámbito artístico.

-Los temas: algunos pintarán el mundo rural, otros el ámbito urbano. Los habrá que pintan desnudos, interiores. El aire libre (plein air → clara influencia del impresionismo) y la alegría de vivir también van a ser recurrentes para otros.

André Derain (1880-1954) pintó emotivos paisajes de colores puros, aplicados a veces directamente del tubo, como El Puente de Westminster. Posteriormente se vio influido por el Cubismo que abandonó por el Clasicismo.

Compartió un estudio con Maurice de Vlaminck (1876-1958), de temperamento nervioso y anarquista, autor de paisajes expresivos y dramáticos, con colores brillantes y fuertes como Árboles rojos. En cambio Albert Marquet (1875-1947) prefería una paleta más suave y composiciones más equilibradas; era un excelente dibujante (El puerto de Marsella). Por último Raoul Dufy (1877-1953) ha dejado alegres composiciones marinas en un estilo muy personal con dibujos en arabesco y brillantes colores, que aplicaba a manchas (Regata en Cowes).

Cubismo

El artista de este momento escoge un tema pictórico

con un objetivo determinado, buscando los cubistas fragmentar un tema y ordenarlo en una composición.

José Victoriano González-Pérez (Juan Gris, 1887-1927)

Pablo Picasso (1881-1973)

George Braque (1882-1963)

Junto a Picasso, la otra gran figura del cubismo es Georges Braque (1882-1963), con una producción marcada por la predilección por las naturalezas muertas.

Una variante del cubismo es el orfismo,

una suerte de síntesis del cubismo y el fauvismo, representado en la obra de Robert Delaunay (1885-1941), cuyo “arte puro” se aproxima ya a la abstracción total.

Obra de Juan Gris: Retrato de Picasso.
Las formas que construyen los pintores del cubismo siguen unos esquemas rígidamente geométricos, muy propios de la pintura intelectualista; en este sentido, son muy significativas dos frases representantes de este estilo, Picasso, “Yo pinto los objetos como los pienso, no como los veo”, y Braque, “Los sentidos deforman, el espíritu forma”.

“Las señoritas de Aviñón”, Pablo Picasso
El cubismo fue uno de los primeros movimientos artísticos que surgió en el siglo XX, transformándose en una verdadera revolución dentro de la pintura. El descubrimiento del arte negro, la exposición de Cézanne en 1907 y la poesía de Apollinaire y Max Jacob se convirtieron en las principales influencias del nuevo estilo.

A principios del siglo XX surgen en forma simultánea y en constante interrelación las llamadas vanguardias o “ismos” artísticos, que rompen con los lenguajes tradicionales paralelamente a la ruptura con las antiguas formas de vida.
El Cubismo nace en París, y los principales ponentes fueron los españoles Pablo Picasso y Juan Gris y los franceses Georges Braque y Fernand Léger. El movimiento efectivamente se inicia con el cuadro “Las Señoritas de Avignon” (Demoiselles D’Avignon) .- Como elementos precursores del cubismo debemos destacar la influencia de las esculturas africanas y las exposiciones retrospectivas de Georges Seurat (1905) y de Paul Cézanne (1907). Es una tendencia esencial, pues da pie al resto de las vanguardias europeas del siglo XX. No se trata de un ismo más, sino de la ruptura definitiva con la pintura tradicional.
El término cubismo fue acuñado por el crítico francés Louis Vauxcelles, el mismo que había bautizado a los fauvistas motejándolos de fauves (fieras); en el caso de Braque y sus pinturas de L’Estaque, Vauxcelles dijo, despreciativamente, que era una pintura compuesta por pequeños cubos. Se originó así el concepto de cubismo.

Pablo Picasso (1881- 1973), tras atravesar su “período azul” y su “período rosa”, pinta “Las señoritas de Aviñón” (1906), obra que marca el inicio de su etapa cubista.

No obstante, el cubismo no será más que una etapa en la extensa producción de Picasso, que sin cesar investigará, abriendo nuevos caminos estéticos, y atravesará diversos períodos.

A partir de 1912 introduce el procedimiento de incrustar en el lienzo trozos de papel: es el collage o papiers collés, recurso muy utilizado posteriormente por los dadaístas y surrealistas. Otros destacados cubistas son Juan Gris (1887-1927), Fernand Léger, que buscó cierta simplificación de las formas en su obra por medio de estructuras tubulares y figuras de autómatas, Albert Gleizes, Jean Metzinger, los hermanos Duchamp y el futuro dadaísta Francis Picabia.
El nacimiento del cubismo constituye uno de los hitos del arte contemporáneo,ya que representa la ruptura definitiva con la pintura tradicional, distinguiéndose dos fases en este ismo:

a) Cubismo analítico: Analiza y descompone la realidad para plasmarla con elementos geométricos superpuestos y con una gama cromática restringida. No es una realidad visual sino una realidad del conocimiento, que reconstruye los objetos como se sabe que son, no como se ven.

b) Cubismo sintético: La segunda etapa del cubismo ya no se caracteriza por el análisis de la realidad sino por concebir el cuadro como una construcción de elementos plásticos, con inclusión de elementos reales. Otorga mayor importancia al objeto y a plasmarlo con cierta fidelidad, con un cromatismo más rico.

Post impresionismo

Paul Cezanne (1839-1906)

Paul Gauguin (1848-1903)

Paul Gauguin

Paul Cezanne

Término que engloba los diferentes estilos pictóricos que sucedieron en Francia al Impresionismo (hasta el año 1905 aprox.).
• Exponentes: Paul Cezanne, Paul Gauguin, Vincent Van Gogh, Henri Toulouse-Lautrec, (entre otros).
• Los artistas reaccionan contra el deseo de reflejar fielmente la naturaleza y presentan una visión mas subjetiva del mundo.

Paul Gauguin


Paul Cezanne

Impresionismo (finales del siglo XIX)

Los impresionistas se preocuparon más por captar la incidencia de la luz sobre el objeto que por la exacta representación de sus formas, debido a que la luz tiende a difuminar los contornos y refleja los colores de los objetos circundantes en las zonas de penumbra. Los pintores académicos definían las formas mediante una gradación tonal, utilizando el negro y el marrón para las sombras. Los impresionistas eliminaron los detalles minuciosos y tan sólo sugirieron las formas, empleando para ello los colores primarios —cyan, magenta y amarillo— y los complementarios —naranja, verde y violeta—. Consiguieron ofrecer una ilusión de realidad aplicando directamente sobre el lienzo pinceladas de color cortas y yuxtapuestas, que mezcladas por la retina del observador desde una distancia óptima aumentaban la luminosidad mediante el contraste de un color primario (como el magenta) con su complementario (verde). De este modo, los impresionistas lograron una mayor brillantez en sus pinturas que la que se produce normalmente al mezclar los pigmentos antes de aplicarlos.

Vincent Van Gogh, no estaba loco, sólo un poco, amo la pintura, impresionista nato y admiró a los japoneses, su oreja fue cortada por el mismo, por sentirse culpable de amenazar a su mejor amigo. Se internó en una clínica.

Claude Monet, iniciador del movimiento Impresionista, quedó casi ciego por cataratas... las excursiones al campo y la playa durante su adolescencia orientaron el posterior desarrollo de su pintura.

Pierre-Auguste Renoir, dos predilecciones marcarían la obra de Auguste Renoir en el futuro: la escultura plástica del cuerpo femenino y la de los colores límpidos que actúan por transparencia.

Edouard Manet, nunca fue un impresionista en el sentido estricto de la palabra, jamás expuso en grupo y nunca dejó de acudir a los Salones oficiales, aunque le rechazaran. Sus objetivos no eran compatibles con los de los impresionistas.

Edouard Manet, fue impresionista, pero nunca formó parte de alguna asociación.

Edgar Degas

Pierre-Auguste Renoir.

Claude Monet

Van Gogh

Impresión, sol naciente de Claude Monet.

Movimiento del siglo XX nacido en Francia. Se basó en una forma de utilización del color que se agrupa en el cuadro formando manchas que el ojo del espectador se encarga de dar sentido a modo de Impresión. Uso de la Luz, el contraste y la sombra.
• Toma su nombre de la pintura llamada “Impresión, sol naciente” de Claude Monet.
• Exponentes: Renoir, Degas, Van Gogh, Claude Monet, Eduard Manet, Camille Pissarro, (entre otros).
• Este estilo destacó principalmente en pintura. El movimiento plástico impresionista se desarrolló a partir de la segunda mitad del siglo XIX en Europa —principalmente en Francia— caracterizado, a grandes rasgos, por el intento de plasmar la luz (la «impresión» visual) y el instante, sin reparar en la identidad de aquello que la proyectaba. Es decir, si sus antecesores pintaban formas con identidad, los impresionistas pintarán el momento de luz, más allá de las formas que subyacen bajo éste.

El impresionismo es un movimiento pictórico que surge en Francia a finales del siglo XIX, en contra de las fórmulas artísticas impuestas por la Academia Francesa de Bellas Artes, que fijaba los modelos a seguir y patrocinaba las exposiciones oficiales en el Salón parisino.

El objetivo de los impresionistas era conseguir una representación del mundo espontánea y directa, en pinturas creadas directamente “in situ”, no elaboradas en el taller tal y como se estilaba hasta entonces. En parte por la necesidad de abreviar la ejecución, se recurre a una pincelada rápida y suelta, y a formatos manejables frente a los formatos monumentales típicos de la pintura académica.

Tutorial moderno de pintura impresionista


Eva González (1849-1883)


Claude Monet (1840-1926)


Vincent Van Gogh (1853-1890)


Edgar Degas (1834-1917)


Pierre Auguste Renoir (1841-1919)